劇的な表現や抽象的な形としてのダンス
西洋での議論
西部劇の伝統、特にバレエやモダンダンスでは、最も頻繁に繰り返される原則の衝突は、表現の問題をめぐって行われてきました。シアターダンスは、一般に2つのカテゴリに分類されます。純粋に形式的であるか、スタイルの完成度とスキルの表示に特化しているものと、ドラマティックであるか、感情、性格、およびナラティブアクションの表現に特化しているものです。16世紀と17世紀の初期のフランスとイタリアのバレエでは、ダンスは歌、朗読、器楽、精巧な舞台デザインを伴う巨大な眼鏡の一部にすぎませんでした。そのようなめがねは物語やテーマを中心に大まかに整理されていましたが、ダンスの動き自体は主に形式的で装飾的なものであり、アクションを伝えるための非常に限られた範囲のMIMEジェスチャーしかありませんでした。ダンス自体がより巧妙になり、バレエが適切な演劇の芸術形式として浮上し始めたので、ダンサーの技術力が主な関心事になりました。バレエはオペラの真ん中にほぼランダムに挿入された短い作品の雑多なコレクションに発展し、ダンサーのスキルを披露する以外の機能はありませんでした。Lettres sur la danse et sur les ballets（1760; Letters on Dancing and Ballets）では、フランスの偉大な振付家でありバレエマスターであるJean-Georges Noverreがこの発展を嘆きました。彼は、いくつかの劇的で表現力豊かなコンテンツがない限りダンスは無意味であり、動きはより自然になり、より広い範囲の表現に対応する必要があると主張しました。。。この芸術は、単に目を満足させるために設計された花火の効果のように、その効果が限られているという理由だけで、幼少期にとどまっています。。。。誰もその心に語りかける力を疑っていませんでした。」
19世紀前半のバレエの偉大なロマンティック時代には、ノベールのバレエのアクションに対する夢は、劇的なテーマと感情に満ちた完全に独立したアート形式のバレエとして実現しました。しかし、19世紀後半までに、表現力を犠牲にして巧妙さを重視することが再び問題になりました。1914年、ロシア生まれの振付家ミシェルフォキンは、ノヴェールと同様の改革を主張し、「古いバレエの芸術は人生に背を向けた。。。伝統の狭い輪に身を閉じ込めなさい。」Fokineは、「劇的なアクションの表現として機能しない限り、ダンスや模倣のジェスチャーはバレエで意味がありません。バレエ全体のスキームとは無関係に、単なる娯楽や娯楽として使用してはなりません」と主張しました。
バレエ会社の外では、欧米のモダンダンスの専門家たちは、バレエのストーリーは幼稚な空想であり、テクニックが表現力を発揮するにはあまりにも人工的であったため、バレエは内面の生活や感情をまったく表現していないとも主張していました。ドラマチックなコンテンツへの取り組みが非常に強く、しばしば彼女のダンス作品をドラマと呼んだマーサグラハムは、現代人の心理的および社会的状態として見たものを表現する新しい動きのスタイルを作り出しました。「今日の生活は緊張し、鋭いです、ジグザグ。空中で止まることがよくあります。それが私のダンスで目指していることです。古いバレエの形はそれに声を与えることができませんでした。」
第二次世界大戦間の数十年の間に、グラハム、メアリーウィグマン、ドリスハンフリーは、深刻な主題と非常に劇的な動きを特徴とする表現主義のモダンダンスの学校を設立しました。マース・カニンガムやジョージ・バランシンなどの他の振付家は、劇的な表現へのこのような緊密な関心が芸術形式としてのダンスの発展を妨げる可能性があると主張しました。バランシンは、「バレエは非常に豊かな芸術形式であり、最も興味深く、最も意味のある文学的な一次資料のイラストレーターであるべきではありません。バレエはそれ自体のために、そしてそれ自体について語ります。」これらの振付家の作品は、陰謀、性格、感情ではなく、形式的な構造と振付の発達を強調していました。一部には彼らの影響の結果として、「抽象的な」または無作法なバレエは、第二次世界大戦後の数十年の間に振付家の間で人気がありました。
